🔥 Nhật Ký Sáng Tạo “Create This Journal” – Sổ Tay Khơi Nguồn Cảm Hứng, Tỏa Sáng Cá Tính|Ghiền Mystery đang giảm giá!

Chỉ còn 172.000 VND (giảm 22% so với giá gốc 221.880 VND)

👉 Xem chi tiết & Mua ngay!

Trong thế giới hiện đại, các ngành công nghiệp thời trang, trang sức và mỹ phẩm liên tục phát triển để đáp ứng nhu cầu ngày càng đa dạng của đại chúng. Bên cạnh những sản phẩm giá cả phải chăng, các thương hiệu cao cấp vẫn tồn tại và dành cho những người có khả năng chi trả. Nhưng liệu giá cả có thực sự là yếu tố định nghĩa cho khái niệm luxury?

Gần đây, cuốn sách Sell to the Rich: The Insider’s Handbook to Selling Luxury của Jeffrey Shaw đã khiến tôi suy ngẫm lại về khái niệm luxury. Với kinh nghiệm 40 năm chụp ảnh cho người giàu và nổi tiếng, Shaw đã có cái nhìn sâu sắc về cách luxury vận hành vượt qua nhãn mác. Ông viết: ‘Bản chất của luxury được xây dựng trên sự tận tâm không thể lay chuyển đối với chất lượng, dịch vụ, tính độc quyền và trải nghiệm đặc biệt. Và trong thời điểm bất ổn, mọi người tìm kiếm những sản phẩm và dịch vụ sẽ tồn tại lâu dài.’

Theo quan điểm này, triết học cũng có thể được xem là một dạng luxury. Đó là một cuộc truy tìm bền bỉ, cam kết sâu sắc với chất lượng, trí tuệ và kinh nghiệm sống. Cũng như luxury, triết học có các cấp độ: triết học phổ thông thường đơn giản hóa ý tưởng để thu hút đại chúng, trong khi tư duy chất lượng cao nhất vẫn không thể tiếp cận được với phần lớn người dân. Nhưng khi được tiếp cận một cách trọn vẹn, triết học có sức biến đổi. Nó nuôi dưỡng sự phán đoán, trí tưởng tượng và cái nhìn sâu sắc về đạo đức.

Các thương hiệu mỹ phẩm, đặc biệt là những thương hiệu quan tâm đến bản sắc, nghi thức và ý nghĩa, có thể học hỏi từ triết học. Cyrille Vigneron, Chủ tịch Cartier, từng nói: ‘Người lãnh đạo một nhà máy như Cartier phải có gốc rễ từ triết học, nghệ thuật, thẩm mỹ và xã hội học.’ Tư duy này đã giúp Cartier trở thành một thương hiệu văn hóa.

Barbara Stegemann, người sáng lập The 7 Virtues Perfume, đã viết một cuốn sách chi tiết về bảy đức hạnh từ triết học Stoic đã truyền cảm hứng cho thương hiệu và nước hoa. Từ Plato đến Elaine Scarry, các triết gia đã khám phá cách vẻ đẹp ảnh hưởng đến cuộc sống con người, giá trị và hành vi.

Ngành công nghiệp mỹ phẩm đang có cơ hội để học hỏi từ những ý tưởng này, không chỉ như một lý thuyết trừu tượng mà còn là công cụ thực tế cho định hướng sáng tạo, tường thuật thương hiệu và căn cứ đạo đức. Đối với Plato, vẻ đẹp là một cây cầu giữa sự thật và sự tốt đẹp, thứ nâng cao tâm hồn con người.

Trong cuốn hội thoại Symposium, ông mô tả vẻ đẹp như một loại thang: Chúng ta bắt đầu bằng việc ngưỡng mộ vẻ đẹp thể chất, nhưng nếu chúng ta chú ý, nó có thể dẫn chúng ta đến những hình thức cao hơn – như tính cách, trí tuệ và cuối cùng là hình thức vẻ đẹp vĩnh cửu. Vẻ đẹp, đối với Plato, không bao giờ là điểm kết thúc. Đó là một lực lượng chuyển đổi.

Luxury thực sự cũng tương tự. Nó không chỉ về giá cả hay uy tín mà còn về sự xuất sắc, sự quan tâm và ý nghĩa lâu dài. Cũng một cảm nhận như vậy định nghĩa các thương hiệu mỹ phẩm tập trung vào thủ công, nghi thức và chiều sâu. Lấy Aesop làm ví dụ, sự nhấn mạnh vào kiến trúc, triết học và kể chuyện đã khiến nó trở thành một thương hiệu luxury được yêu thích một cách khó hiểu.

Các cửa hàng của thương hiệu này được thiết kế như những không gian phản tư. Các sản phẩm của họ được mô tả không phải bằng mánh lới mà bằng sự tự tin im lặng. Ở trường hợp này, vẻ đẹp không hét lên để thu hút sự chú ý; nó tạo điều kiện cho sự chú ý nở hoa.

Elaine Scarry trong cuốn sách On Beauty and Being Just của mình đã xây dựng dựa trên di sản của Plato khi viết: ‘Vẻ đẹp mang lại bản sao của chính nó.’ Vẻ đẹp không chỉ tồn tại một cách thụ động; nó tỏa sáng, nhân lên và truyền cảm hứng. Nó định hình cách chúng ta nhìn thế giới và cách chúng ta hành động trong thế giới đó.

Môi trường đẹp thường thúc đẩy sự quan tâm, trong khi sự xấu xí có thể làm tê dại trí tưởng tượng đạo đức của chúng ta. Nếu vẻ đẹp truyền cảm hứng cho sự chú ý, thì các thương hiệu nên xem xét cách thẩm mỹ của họ và giá trị của họ định hình những gì mọi người quan tâm đến.

Hãy xem xét các công việc phổ biến nhất ở Mỹ. Theo Visual Capitalist, từ 1998 đến 2024, các ngành nghề hàng đầu hầu như không thay đổi: nhân viên bán lẻ, thu ngân và nhân viên phục vụ nhanh. Các vai trò này gắn chặt với văn hóa tiêu thụ nhanh và loại bỏ.

Trong một xã hội nghiện tốc độ, sự tiện lợi và số lượng, thật ngạc nhiên khi chúng ta đã giảm giá trị chất lượng để thuận tiện cho số lượng. Liệu sự tập trung mới vào vẻ đẹp – hiểu theo cách triết học – có thể giúp thay đổi dòng chảy văn hóa này không?

Liệu các thương hiệu vẻ đẹp, thay vì chỉ phản ánh văn hóa, có thể bắt đầu định hình lại nó bằng cách nhấn mạnh chất lượng, đạo đức và thiết kế có chủ ý không? Điều này dẫn chúng ta đến một lớp luxury khác: ý nghĩa.

Triết gia Hans-Georg Gadamer lập luận rằng vẻ đẹp là đối thoại; nó mời gọi giải thích và tham gia. Chúng ta không chỉ tiêu thụ một vật thể đẹp – chúng ta tương tác với nó, sống với nó và hiểu bản thân mình khác thông qua nó.

Các thương hiệu mỹ phẩm luxury thường hành động theo cách này, dù có ý thức hay không. Lấy ví dụ Augustinus Bader, được xây dựng xung quanh khoa học chăm sóc da tái tạo, thương hiệu này nhấn mạnh sửa chữa tế bào, tuổi thọ và nghi thức hơn là các giải pháp nhanh chóng.

Điều này vang vọng một hiểu biết triết học về vẻ đẹp như đang trở thành, không chỉ xuất hiện. Hoặc xem xét Furtuna Skin, kết hợp nông nghiệp biodynamic, phong cảnh Sicilia và kiến thức tổ tiên vào các công thức của mình.

Những thương hiệu này không chỉ bán sản phẩm; họ nuôi dưỡng ý nghĩa, sự hiện diện và sự quan tâm. Triết học có thể giúp làm sáng tỏ tại sao điều này quan trọng. Nó đưa ra ngôn ngữ để phân biệt giữa mới mẻ và chiều sâu, giữa xu hướng và sự thật.

Nó cho thấy làm thế nào vẻ đẹp trở thành một địa điểm cho bản sắc, nghi thức và hành động đạo đức. Trong một thị trường tràn ngập sự giống nhau, các thương hiệu mời gọi sự tham gia suy nghĩ và trí tưởng tượng đạo đức sẽ tồn tại lâu dài.

Đối với các thương hiệu sẵn sàng vượt qua bề mặt và đến với cái tuyệt diệu, sự tiến hóa tiếp theo không phải là nhiều nội dung hơn hoặc tuyên bố đăng hơn. Đó là suy nghĩ sâu sắc hơn – về vẻ đẹp, đạo đức và trải nghiệm con người.

Điện ảnh và công nghệ – Sự kết hợp hoàn hảo để kể chuyện mới

Trong ngành điện ảnh, công nghệ không ngừng phát triển và đã trở thành một phần không thể thiếu trong quá trình sản xuất phim. Đạo diễn Xuân Phước, một trong những đạo diễn hàng đầu Việt Nam, đã có hơn ba thập kỷ gắn bó với điện ảnh và truyền hình. Ông đã tạo dấu ấn với nhiều tác phẩm trải dài các thể loại và luôn chủ động tiếp cận và thử nghiệm các công nghệ làm phim mới.

Công nghệ không làm thay đổi bản chất của điện ảnh, nhưng lại mở ra cách kể chuyện hoàn toàn mới. Hình ảnh, cảm xúc và dữ liệu có thể cộng hưởng để tạo nên những thế giới sống động. Ông đã áp dụng công nghệ Virtual Production để tiết kiệm chi phí trường quay, làm chủ camera cloud-based để rút ngắn thời gian sản xuất và thử nghiệm AI trong hậu kỳ để nâng cao hiệu quả xử lý hình ảnh.

Sự phát triển của công nghệ đã giúp quy trình làm phim trở nên hiệu quả hơn. Ông kể: “Trước đây, khi còn quay phim nhựa 35mm, để có một cú máy hoàn chỉnh, tôi phải chờ cả tuần để tráng phim và dựng bản nháp. Nhưng ngày nay, chỉ cần vài phút sau cảnh quay là tôi đã có thể xem lại footage, chỉnh sửa hoặc thay đổi ngay tại chỗ.”

Đạo diễn Xuân Phước cũng nhấn mạnh rằng công nghệ đã mở rộng phạm vi kiểm soát và sáng tạo của người làm phim. “Đạo diễn ngày nay không chỉ dừng lại ở việc dàn dựng và chỉ đạo diễn xuất, mà còn phải hiểu về real time rendering, AI chỉnh màu, hệ thống camera tracking, thậm chí cả motion capture nếu muốn vươn ra thị trường quốc tế”, ông nói.

Tuy nhiên, công nghệ cũng tạo ra áp lực mới cho đạo diễn. Ông cho rằng: “Công nghệ là một người bạn rất đặc biệt, nó giúp tôi làm việc hiệu quả hơn nhưng cũng không cho phép tôi ngừng học hỏi.”

Đạo diễn Xuân Phước đã tham dự NAB Show tại Mỹ, một triển lãm quốc tế về công nghệ truyền thông và điện ảnh. Ông đã chứng kiến quá trình quay phim bằng hệ thống LED wall kết hợp với camera tracking và cho rằng: “Phim ảnh hiện đại không chỉ dừng lại ở việc ‘ghi lại hiện thực’, mà đã chuyển sang ‘tạo dựng hiện thực’ bằng cảm xúc, bằng trí tưởng tượng và bằng công nghệ.”

Ông cũng cho rằng sự khác biệt lớn nhất giữa công nghệ làm phim ở Việt Nam và ở các nền điện ảnh phát triển là cách tư duy quy trình sản xuất. “Thiết bị hiện nay Việt Nam hoàn toàn có thể tiếp cận, nếu không mua thì cũng có thể thuê, thậm chí nhập về nhanh chóng. Nhưng vấn đề là cách phối hợp các bộ phận và khả năng tích hợp công nghệ vào từ đầu quy trình mới là điều tạo nên sự khác biệt”, ông nói.

Công nghệ sẽ đưa điện ảnh Việt Nam tiến xa, nhưng chỉ khi nó được đặt đúng vị trí: là công cụ, chứ không phải linh hồn của tác phẩm. Ông khuyên các bạn trẻ hãy bắt đầu từ những điều căn bản nhất: hãy tập viết một cảnh phim thật hay chỉ với hai nhân vật, một bối cảnh đơn giản, không kỹ xảo.

“Kỹ xảo chỉ là phần trình bày đẹp mắt, còn cốt truyện và cảm xúc mới là phần khiến khán giả muốn ở lại với bộ phim. Một bộ phim giỏi kỹ xảo mà kịch bản lỏng lẻo, nhân vật mờ nhạt thì cũng chỉ là lớp vỏ rỗng”, ông nói.

Rapper MCK vừa gây chú ý với sự trở lại của mình thông qua MV “2323”, một bản làm mới của ca khúc nổi tiếng “Buông Đôi Tay Nhau Ra” của Sơn Tùng. Mặc dù đã đạt được hàng trăm nghìn lượt xem chỉ trong vài giờ, nhưng phần lớn khán giả lại bày tỏ sự hụt hẫng với nội dung của video.

Việc MCK chọn cách “làm mới lại” nhạc phẩm cũ bằng cách thêm phần rap ngắn ở cuối bài, mà không chỉnh sửa nhiều về mặt phối khí, đã khiến nhiều người nhận xét rằng đây là MV của Sơn Tùng chứ không phải của MCK. Sự thiếu đột phá trong cách tiếp cận này đã khiến khán giả cảm thấy hụt hẫng và chưa thực sự thỏa mãn.

Có thể nói, “Buông Đôi Tay Nhau Ra” không chỉ là một bản hit, mà còn là một phần ký ức âm nhạc của thế hệ khán giả trưởng thành vào những năm 2010. Việc lấy chất liệu từ một bản nhạc mang tính biểu tượng như vậy dễ khiến người nghe “quay về bản gốc” để tìm lại cảm xúc cũ, hơn là thưởng thức phiên bản mới. Điều này đặt ra câu hỏi về khả năng cân bằng giữa việc tôn vinh giá trị cũ và tạo ra giá trị mới trong âm nhạc.

Sự “trỗi dậy” của phong trào remix, re-sample trong âm nhạc Gen Z cũng đặt ra câu hỏi về ranh giới giữa sáng tạo và vay mượn. Nếu như “Tháp Drill Tự Do” của MCK từng tạo hiệu ứng nhờ khai thác chất liệu nhạc cách mạng theo phong cách drill táo bạo, thì “2323” lần này lại khiến người ta băn khoăn về mức độ đầu tư và tư duy âm nhạc thật sự.

MCK không phải người đầu tiên thử sức với nhạc Sơn Tùng, nhưng vấn đề không nằm ở việc làm lại nhạc xưa mà là làm sao để thể hiện được chất riêng của người làm mới. Khi thị trường âm nhạc hiện đại đang bão hòa với các sản phẩm “vừa tai, dễ viral”, thì bài toán giữ cá tính lại càng khó khăn. Nghệ sĩ cần phải tìm ra cách riêng để tạo dấu ấn và khẳng định phong cách của mình.

Tất nhiên, không thể phủ nhận hiệu ứng tức thì mà sản phẩm này mang lại. Nhưng về lâu dài, MCK sẽ cần nhiều hơn những bản “remix hoài niệm” để khẳng định giá trị nghệ sĩ. Bởi một nghệ sĩ lớn không chỉ biết khai thác ký ức tập thể, mà phải biết tạo ra ký ức mới cho thời đại của chính mình. Để đạt được điều đó, MCK cần phải tiếp tục cố gắng và đổi mới trong âm nhạc, cũng như giữ vững cá tính và phong cách riêng của mình.

Trong thời gian gần đây, một số nghệ sĩ Việt Nam đã bị bắt giữ vì liên quan đến các hoạt động liên quan đến ma túy, gây ra sự hoang mang trong cộng đồng và đặt ra câu hỏi về lý do tại sao những người nổi tiếng dễ dàng rơi vào cạm bẫy này.

Một số người trong giới nghệ thuật đã đưa ra quan điểm rằng các nghệ sĩ cần có sự sáng tạo và cảm xúc để tạo ra các tác phẩm nghệ thuật độc đáo, và do đó họ tìm đến các chất kích thích để có thể ‘phiêu’ hơn trong quá trình sáng tạo. Tuy nhiên, các chuyên gia tâm lý và xã hội học đã lên tiếng cảnh báo rằng quan điểm này là một sự ngụy biện nguy hiểm.

Các chuyên gia cho rằng việc sử dụng chất kích thích không chỉ ảnh hưởng đến sức khỏe thể chất và tinh thần của nghệ sĩ, mà còn có thể dẫn đến hậu quả nghiêm trọng về mặt pháp lý và xã hội. Họ cũng chỉ ra rằng có nhiều cách khác để kích thích sự sáng tạo và cảm xúc mà không cần đến chất kích thích, chẳng hạn như việc tìm kiếm cảm hứng từ cuộc sống hàng ngày, từ thiên nhiên, hoặc từ các trải nghiệm của con người.

Một chuyên gia tâm lý đã cho biết: “Nghệ sĩ cũng như mọi người khác, cần phải nhận thức được rằng việc sử dụng chất kích thích không phải là một giải pháp cho sự sáng tạo hay cảm xúc. Thay vào đó, họ nên tìm kiếm các cách thức lành mạnh và an toàn để thể hiện sự sáng tạo và cảm xúc của mình.”

Ngoài ra, các chuyên gia cũng cho rằng sự dễ dàng sa vào cạm bẫy của chất kích thích trong giới nghệ thuật có thể xuất phát từ áp lực và căng thẳng trong công việc, cũng như sự thiếu hiểu biết về tác hại của chất kích thích. Do đó, họ đề xuất rằng cần có các chương trình giáo dục và hỗ trợ để giúp các nghệ sĩ nhận thức được về tác hại của chất kích thích và tìm kiếm các giải pháp an toàn và lành mạnh.

Tìm hiểu thêm về tác hại của ma túy và cách phòng chống tại Việt Nam. Các nghệ sĩ và công chúng cần nhận thức được về tác hại của chất kích thích và ủng hộ các nỗ lực phòng chống và giáo dục về vấn đề này.

HsiaoWei Hsiang, một cái tên đang lên trong giới modeling, đang tạo dựng được tên tuổi của mình với sức mạnh lặng lẽ nhưng đầy ấn tượng. Phong cách làm việc của cô không cần phải hét lên để được chú ý, mà vẫn tỏa sáng qua từng khung hình. Hiện đang sống tại thành phố New York, Hsiang đã tạo dựng được tên tuổi của mình không chỉ bởi vẻ đẹp mà còn bởi khả năng kể chuyện qua hình ảnh. Phong cách trình diễn của cô mang tính suy ngẫm và nhiều tầng, thể hiện sự hiểu biết sâu sắc về văn hóa trong công việc.

Sinh và lớn lên tại Đài Loan, Hsiang chuyển đến New York vào năm 2021. Sự kết hợp giữa phong cách tinh tế của Đông Á và năng lượng sôi động, nhanh chóng của thành phố đã thu hút sự chú ý của các nhà thiết kế và những người sáng tạo. Họ không chỉ chú ý đến vẻ đẹp của cô mà còn cách cô làm cho mỗi bức ảnh trở nên đặc biệt.

Mới đây, Hsiang đã hợp tác với Imurani, một thương hiệu thời trang New York nổi tiếng với các sản phẩm hiện đại và sạch sẽ. Cô là nhân vật chính trong buổi trình diễn runway của NYFW 2024 và tiếp tục xuất hiện trong các hình ảnh thương mại điện tử của thương hiệu. Năng lượng bình tĩnh và cảm giác chuyển động của cô mang lại điều gì đó đặc biệt cho mỗi bức ảnh.

Cô cũng đã làm việc với Lost Pattern, một thương hiệu tập trung vào kể chuyện và các chủ đề văn hóa. Hsiang được chọn để dẫn dắt các chiến dịch kỹ thuật số của họ, sử dụng khuôn mặt và ngôn ngữ cơ thể thể hiện cảm xúc để thổi hồn vào các bản in đậm và thiết kế đẹp của thương hiệu.

Kinh nghiệm của Hsiang trải rộng từ các thương hiệu độc lập đến các tên tuổi toàn cầu. Đối với chiến dịch kỳ nghỉ 2024 của Aveda, cô là người mẫu gốc Á duy nhất trong số sáu tài năng được chọn. Hiệu suất của cô, cả trong ảnh và video, được cả đội khen ngợi, ngay cả sau khi buổi chụp đã kết thúc. Mọi người tiếp tục nói về cách cô nổi bật một cách đúng đắn.

Các nhiếp ảnh gia và thương hiệu thường đề cập đến cách cô hiểu rõ về cảm xúc và cách cô có thể biến một khung hình đơn giản thành một điều gì đó đáng nhớ. Cô không chỉ trình diễn quần áo – cô còn thêm vào câu chuyện. Công việc của cô đã được đăng tải trên Harper’s BAZAAR, L’Officiel, Flanelle, và nhiều hơn nữa. Trong mỗi dự án, cô cho thấy một mặt khác của sức mạnh lặng lẽ của mình.

Một buổi chụp ảnh đặc biệt nổi bật có tựa đề ‘People Talk’, do nhiếp ảnh gia BoChun đạo diễn, đề cập đến cách xã hội bị cuốn vào câu chuyện và tin đồn giả. Hsiang đã thể hiện một cung đường nhân vật đầy đủ, từ sự ngây thơ đến sự bối rối và tự khám phá. Các biểu cảm của cô đã thổi hồn vào toàn bộ khái niệm. Cô di chuyển như một vũ công, nắm bắt mọi nhịp điệu của câu chuyện. Bài viết này đã nhận được phản hồi tuyệt vời từ cả đội sản xuất và biên tập.

Điều khiến cô thực sự độc đáo là cô không chỉ là một người mẫu – cô là một đối tác sáng tạo. Trên phim trường, cô đưa ra ý kiến về dòng chảy, năng lượng và cảm giác của buổi chụp. Cô kiểm tra máy ảnh, đưa ra gợi ý và làm việc chặt chẽ với các nhiếp ảnh gia và giám đốc nghệ thuật để tinh chỉnh từng bức ảnh. Loại nhận thức đó là hiếm có, và nó khiến cô trở thành một phần quan trọng của bất kỳ đội sáng tạo nào.

Khi thế giới thời trang mở ra cho nhiều tiếng nói và phong cách đa dạng hơn, Hsiang có vẻ như là một sự hiện diện mới mẻ và cần thiết. Cô nói với một thế hệ vừa toàn cầu vừa có nền tảng – thoải mái ở bất cứ đâu, nhưng luôn trung thành với bản thân. Sự nghiệp của cô, trải rộng trên các tạp chí, nhãn hàng độc lập và các chiến dịch phong phú về văn hóa, đặt cô ngay tại nơi mà Đông gặp Tây.

HsiaoWei Hsiang di chuyển dễ dàng giữa các buổi chụp hình biên tập mơ mộng và công việc thời trang thương mại. Cô đang mang lại nhiều sự hiện diện cho tài năng châu Á ở phương Tây, không phải bằng cách tạo ra tiếng ồn, mà bằng cách thực hiện công việc – và thực hiện nó một cách tốt. Sự hiện diện của cô trong các tạp chí hàng đầu như Harper’s BAZAAR và L’Officiel nói về cách cô lặng lẽ nhưng mạnh mẽ tạo dấu ấn của mình.

Cô không chỉ đang theo dõi xu hướng thời trang – cô đang giúp định hình cách chúng ta nhìn thấy chúng. Một hình ảnh mỗi lần.

Đã hơn ba thập kỷ trôi qua kể từ khi bộ phim ‘Jurassic Park’ ra mắt lần đầu vào năm 1993, nhưng hình ảnh khủng long vẫn còn là một biểu tượng không thể phai mờ trong văn hóa đại chúng. Loạt phim ‘Jurassic’ đã trở thành một trong những thương hiệu điện ảnh thành công nhất mọi thời đại, với tổng doanh thu phòng vé toàn cầu lên đến hơn 6 tỷ USD sau sáu phần phim chính thức. Vậy điều gì đã giúp loài sinh vật tuyệt chủng hàng triệu năm trước trở thành hiện tượng văn hóa kéo dài và sâu rộng như vậy?

Câu trả lời nằm ở sự kết hợp khéo léo giữa khoa học viễn tưởng, hành động nghẹt thở và kỹ xảo điện ảnh đỉnh cao. Thương hiệu ‘Jurassic’ không chỉ thu hút khán giả nhờ sự hùng vĩ và dữ dội của các loài khủng long, mà còn khai thác sâu sắc mối quan hệ giữa con người, thiên nhiên và khoa học. Điều này đặt ra câu hỏi về việc can thiệp vào tự nhiên và đã giúp ‘Jurassic’ vượt khỏi khuôn khổ một bộ phim giải trí đơn thuần để trở thành tác phẩm có chiều sâu tư tưởng.

Trải qua nhiều biến chuyển, thương hiệu ‘Jurassic’ đã trải qua nhiều phần phim khác nhau, từ ‘Jurassic Park’ đến ‘Jurassic World’. Mỗi phần phim đều có những thành công và thách thức riêng. Sau ba phần phim ‘Jurassic Park’ (1993-2001), thương hiệu được hồi sinh mạnh mẽ với ‘Jurassic World’ vào năm 2015. Chỉ riêng phần phim này đã thu về hơn 1,6 tỷ USD toàn cầu, trở thành một trong những phim có doanh thu cao nhất thập kỷ.

Tuy nhiên, mỗi lần tái xuất, thương hiệu ‘Jurassic’ đều đặt nặng yếu tố thương mại. Các phần phim sau được đầu tư mạnh về kỹ xảo, dàn sao và quảng bá toàn cầu, với mục tiêu rõ ràng đó là lợi nhuận. Điều này cũng đặt ra thách thức về mặt nội dung. Khi trọng tâm nghiêng về doanh thu, các yếu tố như logic kịch bản, chiều sâu nhân vật, hay thông điệp nhân văn dễ bị lu mờ trước những cảnh hành động rượt đuổi mãn nhãn.

Mô-típ chung của hầu hết các phần phim ‘Jurassic’ vẫn là: con người tái tạo khủng long – mất kiểm soát – thảm họa xảy ra. Dù được ‘tô màu’ bằng nhân vật mới, bối cảnh mới hay giống loài khủng long lai tạo, cốt lõi nội dung không có nhiều đột phá. Điều này khiến một bộ phận khán giả trung thành bắt đầu thấy sự lặp lại nhàm chán.

Khán giả ngày nay đòi hỏi nhiều hơn những màn gầm rú ầm ỹ. Việc loạt phim tiếp tục ‘tái sinh’ có thể khiến một bộ phận khán giả cảm thấy mệt mỏi vì kịch bản lặp lại, thiếu sáng tạo. Tuy nhiên, ở khía cạnh thương mại, ‘Jurassic’ vẫn là ‘con gà đẻ trứng vàng’. Từ phim ảnh, công viên giải trí, đồ chơi, game, đến hàng loạt sản phẩm ăn theo, khủng long vẫn chứng minh được sức sống mãnh liệt trên mọi mặt trận.

Mâu thuẫn giữa di sản và thị hiếu không thể phủ nhận di sản ‘Jurassic Park’ đã đặt nền móng cho dòng phim khoa học viễn tưởng mang màu sắc triết lý – nơi khủng long không chỉ là sinh vật gây sợ hãi, mà còn là biểu tượng của tham vọng con người, của cái giá phải trả khi chơi đùa với tự nhiên. Nhưng càng về sau, những giá trị này dường như mờ nhạt dần giữa sự xô bồ của thị hiếu đại chúng.

Trong thời đại mà mọi thương hiệu đều cố xây dựng ‘vũ trụ điện ảnh’, câu hỏi đặt ra là: Liệu Jurassic có đang chạy theo trào lưu mở rộng, mà quên mất cốt lõi triết lý từng làm nên thành công ban đầu? Việc tiếp tục sản xuất các phần phim là bước đi hợp lý: khán giả vẫn đến rạp, sản phẩm ăn theo vẫn bán chạy, thương hiệu vẫn giữ sức ảnh hưởng. Tuy nhiên, nếu không có chiến lược tái định hình nội dung, thương hiệu Jurassic có thể trở thành biểu tượng ‘nghe đã quá quen’ nhưng không còn đáng nhớ.

Tương lai nào cho thương hiệu tỷ đô? Giữa bối cảnh điện ảnh thế giới đang dần thay đổi với sự lên ngôi của những vũ trụ điện ảnh đa dạng và nhân vật mới mẻ, việc thương hiệu ‘Jurassic’ có tiếp tục giữ vững được vị trí hay không phụ thuộc vào khả năng đổi mới trong cách kể chuyện, nhân vật, và thông điệp. Khán giả không còn bị chinh phục chỉ bởi kỹ xảo mà họ cần những câu chuyện chạm tới cảm xúc và phản ánh đúng thời đại.

Việc liên tục khai thác thương hiệu ‘Jurassic’ giúp hãng phim thu về hàng tỷ USD, nhưng cũng là con dao hai lưỡi có thể bào mòn giá trị sáng tạo – điều từng làm nên huyền thoại khủng long trên màn ảnh. Bài toán đặt ra không chỉ là làm sao để tiếp tục ‘gầm vang’ doanh thu, mà còn là làm sao để khủng long tiếp tục sống mãi trong lòng người xem như một biểu tượng điện ảnh thực thụ, chứ không chỉ là công cụ kiếm tiền của phòng vé.